Quello che segue è un estratto dal libro appena pubblicato di Matt Brown, Tutto quello che sai sull'arte è sbagliato
Fontana, di Marcel Duchamp (1887–1968), è stato creato nel 1917. Nella forma, è semplice: niente più che un orinatoio capovolto con l'aggiunta di alcuni segni di penna sul lato (R Mutt, 1917). In teoria, è molto più complesso. Presentando il suo lavoro già pronto a un salone d'arte, Duchamp stava sfidando le nozioni stesse di cosa potesse essere l'arte, facendoci contemporaneamente rivalutare la forma e la funzione di un oggetto quotidiano (quotidiano, cioè a metà della popolazione).
Come rivista d'avanguardia Il cieco Per dirla all'epoca: se il signor Mutt ha fatto la fontana con le proprie mani o no non ha importanza. L'ha SCELTO. Prese un articolo di vita, lo pose in modo che il suo significato utile scomparisse sotto il nuovo titolo e punto di vista - creò un nuovo pensiero per quell'oggetto. L'orinatoio capovolto può sembrare semplicistico fino alla banalità o allo scherzo, ma rappresenta una rivoluzione nel pensiero artistico. La fontana è stata più volte votata tra le opere d'arte più importanti del XX secolo.
Eppure nessuno ha visto l'originale per un secolo.
Sì, puoi vedere l'orinatoio alla Tate Modern di Londra. Eccolo di nuovo al secondo piano del San Francisco Museum of Modern Art. C'è un'altra copia al Centro Pompidou di Parigi. Fountain esiste in 15 diverse versioni in tutto il mondo, tutte create molti anni dopo il pezzo originale. Nessuno sa cosa sia successo all'orinatoio. Probabilmente è stato buttato via come spazzatura subito dopo la sua creazione nel 1917. Non è mai stato esposto e poche persone hanno mai visto questo più influente dei manufatti umani. Tutto ciò che resta è una singola fotografia per dimostrare che sia mai esistita. La prossima volta che senti qualcuno sminuire l'orinatoio di Duchamp definendolo 'un carico di spazzatura che chiunque avrebbe potuto fare', ora puoi schernirli sottolineando che non è nemmeno l'originale. *
Fontana di DuchampPer gentile concessione di FHKE - Museo di San FranciscoArte Moderna
La storia illustra un lato intrigante dell'arte, che spesso non viene considerato. Ci piace pensare alle opere creative come uniche, messe a punto dall'artista una volta per tutte. Ma una quantità sorprendente di arte ha più di una forma di esistenza. La pratica di realizzare numerose copie di una scultura o di una stampa (note come multipli d'artista) è comune nell'arte contemporanea. Uno degli esempi più sorprendenti è Lavoro no. 88 , un foglio di carta A4 accartocciato in una palla da Martin Creed (nato nel 1968). L'artista ha realizzato centinaia di copie di quest'opera (che non necessita di ulteriori descrizioni) a metà degli anni '90. Al momento in cui scrivo, uno di questi capolavori è in vendita a 3.500 sterline più le spese di spedizione.
L'idea di produrre più di una versione di un'opera non è una novità. Il primissimo readymade di Duchamp: una pala da neve pronta all'uso a cui è stato dato il nome enigmatico In anticipo del braccio rotto , è stato anche perso. Ora esiste in dieci repliche. Le sculture vengono spesso fuse più volte. L'opera più famosa di Auguste Rodin (1840-1917), Il pensatore, può essere vista in dozzine di musei, da Buenos Aires a Giacarta, con almeno 25 solo in Europa. Lo stesso artista Il bacio esiste in tre copie in marmo su larga scala, numerosi calchi in gesso e centinaia di calchi in bronzo - e queste sono solo versioni ufficialmente autorizzate create durante la vita di Rodin. *
Una scultura potrebbe essere più semplice da replicare, ma i dipinti possono anche essere duplicati o prodotti in più versioni. È abbastanza comune per un pittore fare copie aggiuntive del proprio lavoro o produrre una serie di variazioni molto simili su un tema. Ci sono molte ragioni. A volte un'opera ha così tanto successo che all'artista viene commissionato di farne ulteriori copie. Altre volte, il pittore immagina di esplorare un soggetto in modi sottilmente diversi.
Tale duplicazione era comune in epoca medievale, quando gli artisti copiavano la stessa scena biblica per diversi clienti. La pratica è continuata durante e oltre il Rinascimento.
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Il pensatore di Auguste Rodin, bronzo, modellato 1880, ridotto nel 1903 (questo esempio adata successiva)Per gentile concessione di HIART - North Carolina Museumdell'arte
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Una Madonna con Bambino del XV secolo di Lorenzo Ghiberti (1378-1455), ad esempio, è stata dipinta così tante volte da poter entrare a far parte di un reggimento. Almeno 40 copie, alcune delle quali sono state modificate o aggiornate, possono essere trovate in tutto il mondo. I ritratti erano particolarmente inclini alla ripetizione. Ogni nobile vorrebbe appendere un ritratto del re o della regina per mostrare lealtà o servilismo.
Gli artisti successivi avrebbero continuato la tradizione. Prendere Girasoli , di Vincent van Gogh (1853-1890). Se ti dicessi che questa famosa tela è stata distrutta in Giappone durante la seconda guerra mondiale, probabilmente non mi crederesti. Ma è vero, almeno in parte. Van Gogh fece quattro studi sui fiori d'oro, ciascuno chiamato Girasoli, nell'estate del 1888. Due possono ancora essere visti nelle gallerie d'arte in Germania e in Inghilterra, uno è in una collezione privata e il quarto fu ridotto in cenere durante un 1945 Raid statunitense sul Giappone - guarda caso lo stesso giorno della bomba di Hiroshima. Il raccolto dei veri girasoli Van Gogh non si ferma qui. L'artista fece tre copie ravvicinate delle prime opere nel gennaio 1889. Queste ora sono appese a Filadelfia, Amsterdam e Tokyo. Quindi il lavoro conosciuto in tutto il mondo come I girasoli sono in realtà sette dipinti diversi, sei dei quali ancora sopravvivono.
L'idea di produrre più di una versione di un'opera non è una novità: Matt Brown
Questa non è una situazione unica. L'opera più famosa di Edvard Munch (1863-1944), L'urlo, esiste in quattro versioni alternative, due delle quali sono opere in pastello piuttosto che in pittura. E poi c'è il curioso caso di Claude Monet (1840-1926) e del suo stagno. L'artista francese ha creato un famoso dipinto noto come Ninfee nel 1897. E di nuovo nel 1903. E nel 1904. E molti anni dopo. In totale, esistono circa 250 versioni di Ninfee, la maggior parte con lo stesso titolo o simile.
Nel tempo, anche le repliche vicine inizieranno a variare nell'aspetto. I pigmenti in un dipinto possono sbiadire o intensificarsi se esposti alla luce. I cambiamenti di temperatura formeranno crepe sulla superficie. Il restauro può alterare ulteriormente i toni. I dipinti duplicati che inizialmente sono simili possono sembrare molto diversi secoli dopo. Puoi vederlo in Leonardo Vergine delle rocce , che si trova sia al Louvre che alla National Gallery di Londra. Le due versioni sono state dipinte a circa 20 anni di distanza, per ragioni che rimangono oscure. Sono ragionevolmente simili nella composizione ma, grazie alle diverse tecniche di restauro, mostrano colori e toni molto diversi.
The Scream, 1910 diEdvard MunchPer gentile concessione di Google Art Project -Museo Munch
Anche la Gioconda di Leonardo, quel capolavoro unico apparentemente inattaccabile al Louvre, può essere trovata in versioni alternative. La cosiddetta Isleworth Mona Lisa (dal nome del sobborgo di Londra in cui un tempo risiedeva) sembra qualcosa proveniente da un universo parallelo. È proprio una Gioconda. La signora è chiaramente la stessa modella, nella stessa posa. Eppure le sue guance più carnose e le labbra più rosee suggeriscono un soggetto più giovanile. I dipinti differiscono anche per lo sfondo. Isleworth Mona si nasconde tra due colonne con un paesaggio incompiuto alle spalle, mentre il suo fratello più famoso siede davanti a una landa desolata verdeggiante. È anche dipinta su tela mentre il capolavoro del Louvre decora un pannello di legno. L'origine di questa versione alternativa è molto controversa. Alcuni ritengono che sia opera dello stesso Leonardo e potrebbe essere precedente alla versione più celebre. D'altra parte, potrebbe essere semplicemente una copia di uno degli allievi di Leonardo, o di qualcun altro interamente. La giuria è ancora fuori.
Ci sono molte, molte altre repliche di Mona Lisa. La maggior parte sono chiaramente non autentiche e furono dipinte dopo la morte di Leonardo. Una copia particolarmente importante è esposta al Museo del Prado di Madrid, in Spagna. Questa signora sfoggia maniche più luminose e si trova di fronte a uno sfondo montuoso, ma per il resto è molto familiare. Anche lei è stata inizialmente liquidata come una copia molto successiva. Analisi più recenti hanno suggerito che potrebbe essere opera della bottega di Leonardo, e potrebbe essere stata dipinta contemporaneamente all'originale da uno degli studenti del maestro.
Casi del genere sollevano la spinosa questione dell'attribuzione di cui all'art. Come abbiamo visto, molti dipinti antichi sono stati realizzati in più copie. L'originale potrebbe essere in gran parte il lavoro del grande artista, ma poi le copie aggiuntive potrebbero essere fatte dai suoi allievi o seguaci. Questo è il motivo per cui spesso vediamo dipinti etichettati come di un seguace di Rembrandt o della bottega di Tiziano. Le acque possono diventare molto fangose qui. Molto spesso, uno studente potrebbe dipingere la maggior parte di una tela, che sarebbe poi finita dal maestro. O vice versa. Può quindi essere molto difficile definire la paternità. Le attribuzioni sono quindi dinamiche. I dipinti a lungo ritenuti opera dell'allievo di un artista vengono talvolta aggiornati al maestro stesso. Al contrario, un dipinto può essere declassato dagli storici dell'arte se emergono nuove prove, con grande dispiacere di chi lo ha appena acquistato all'asta.
Ci piace pensare alle opere creative come uniche, messe a punto dall'artista una volta per tutte. Ma una quantità sorprendente di arte ha più di una forma di esistenza: Matt Brown
Le opere d'arte moderna e contemporanea sollevano anche questioni di paternità e autenticità. La video arte, ad esempio, può essere prontamente copiata e visualizzata in molti luoghi contemporaneamente. Ciò pone sfide per curatori e collezionisti. Le opere scultoree fanno sempre più uso di parti mobili, elettronica e display. Questi, inevitabilmente, ad un certo punto si rompono. È sempre la stessa grafica se si sostituisce il monitor, si sostituisce un servo o si aggiorna un sistema operativo?
Anche le sculture minimaliste sono soggette a tali punti interrogativi. La famigerata opera di Carl Andre (nato nel 1935) del 1966 Equivalente VIII fisicamente non comprende altro che un insieme di 120 mattoni refrattari, disposti in un rettangolo sul pavimento. Questa composizione apparentemente innocua ha causato un putiferio nel 1976, quando la Tate l'ha acquistata con fondi pubblici. Lo spreco di denaro ha infuriato i giornali, innescando un dibattito rabbioso sulla direzione dell'arte contemporanea. Due note a piè di pagina in questo furore sono forse più interessanti dell'arte stessa. La prima è che il pezzo acquistato dalla Tate non era l'originale. Come per l'orinatoio di Duchamp, Andre si era separato da tempo dai mattoni del 1966 e ha dovuto ricreare la sua installazione con un nuovo set. In secondo luogo, la Tate in seguito si è trovata a cercare di procurarsi ulteriori mattoni sostitutivi, dopo che un manifestante aveva deturpato il lavoro con la tintura.
Dopo un periodo di immagazzinamento, l'Equivalent VIII è di nuovo in mostra alla Tate Modern. I visitatori non stanno semplicemente guardando una pila di mattoni, stanno guardando una pila di mattoni che ha sostituito una precedente pila di mattoni, che sono stati poi in parte sostituiti, smontati, messi in deposito e poi rimontati. Quello che era iniziato come un semplice mucchio di materiali da costruzione banali può ora portarci in un viaggio intellettuale nel significato dell'identità e della permanenza degli oggetti. Potrebbe non essere carino, ma l'equivalente VIII provoca più pensieri sulla natura dell'arte di molte belle tele.
* Certo, più intellettuale la risposta sarebbe definirla un'opera pionieristica di arte concettuale. 'Non importa se l'oggetto non è bello o ben realizzato', potresti dire. 'È l'idea alla base che è importante. Né dovremmo preoccuparci di un fico se è solo una replica. È l'idea che è originale e l'oggetto fisico davanti a noi non ha importanza. 'Ma dov'è il divertimento in questo?
* Il record assoluto per l'opera d'arte classica più riprodotta è probabilmente la Nascita di Venere di Sandro Botticelli (1445–1510) - quella famosa rappresentazione della dea nuda appollaiata precariamente su una conchiglia di capesante. Una copia dell'opera (almeno la sua testa) compare sul rovescio della moneta da 10 centesimi italiani, ed è quindi portata in giro da milioni di persone. Altre famose opere d'arte sono presenti sulle monete rimanenti - per esempio, l'Uomo Vitruviano di Leonardo (1452-1519) abbellisce la moneta da 1 Euro, mentre il 2 Euro porta il ritratto di Dante Alighieri di Raffaello (1483-1520) (sebbene questi siano coniati in dimensioni più piccole le quantità). A seconda della tua definizione di arte, opere più recenti come il ritratto della regina Elisabetta II sulla valuta britannica e del Commonwealth, o anche il design di una lattina di Coca Cola, potrebbero rivendicare una circolazione ancora più ampia.
Estratto da Everything You Know About Art is Wrong di Matt Brown, pubblicato da Batsford. Illustrazioni di Sara Mulvanny
Tutto quello che sai sull'arte è sbagliato di Matt Brown, pubblicatodi Batsford.Illustrazioni diSara Mulvanny